読売日響・名曲聴きどころ～０８年５月
名実共にサントリーホーに吹き荒れた「スクロヴァチェフスキ」台風、任期１年延長というお土産を残して去ったばかりですが、早くも５月の準備。皐月は正指揮者・下野竜也の嵐が吹き荒ぶでしょう。
ということで５月号、まずは名曲シリーズです。今回はストラヴィンスキーのぺトルーシュカをメインに、前半はイギリス音楽という捻ったプログラムですね。イギリスとストラヴィンスキーの繋がりは、ということは後にして、まずぺトルーシュカから行きましょうか。
ところでぺトルーシュカ、二つの版が存在することはご存知でしょうが、果たして今回はどちらで演奏されるのか。私としては大いに関心があったのですが、どうやら１９４７年版による演奏だそうですね。ということで、
１９４７年版 １９１１年版
日本初演はこれだそうです。
１９３７年４月２１日 日比谷公会堂 ヨゼフ・ローゼンシュトック指揮ＮＨＫ交響楽団(当時は新響)第１７８回定期演奏会。
年号から判断して１９１１年版だったはずですが、このコンサートは冒頭がシュタインベルクの第３交響曲、次いでぺトルーシュカがあり、後半(多分)がベルリオーズの「ローマの謝肉祭」とワーグナーの「タンホイザー」序曲という組み合わせ。どのような紹介がされたのか興味があります。
ローゼンシュトック/Ｎ響はぺトルーシュカを何と翌月の定期でも取り上げており(５月２６日)、このときはレーガー(ベートーヴェン変奏曲)とドビュッシー(海)とに挟まれていました。
同コンビは、その後１９４０年、１９４４年にも定期で演奏。Ｎ響の名物出し物になった感がありますね。
改定１９４７年版の日本初演が何時なのかは不明ですが、同じＮ響が１９４８年に山田一雄の指揮で取り上げています。このときは「抜粋」と書かれていますので、あるいは１９４７年版に収録されている別のエンディングが使われたのかも知れません。どなたかご存知の方はおられませんか？
次に楽器編成。
フルート３(３番奏者ピッコロ持替)、オーボエ２、イングリッシュホルン、クラリネット３(３番奏者バスクラリネット持替)、ファゴット２、コントラファゴット、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、チューバ、ティンパニ、打楽器３人、ハープ、チェレスタ、ピアノ、弦５部。打楽器はトライアングル、シロフォン、シンバル、タムタム、タンバリン、大太鼓とシンバルがセットになった一組、サスペンデッド･シンバル、スネアドラム３。
参考までに、１９１１年のオリジナル版はもう一回り大きい編成、いわゆる４管編成で、ハープも２台使われますし、グロッケンシュピールが活躍するのが目立ちます。トランペット属も、コルネット２、トランペット２で、より色彩的な工夫が凝らされているのです。
この二つの版に拘るのは、実は名指揮者エルネスト･アンセルメが１９４７年版を批判し、“彼自身に対する犯罪に他ならない”とまで極論し、１９１１年版しか認めていない事実があるからです。
ストラヴィンスキー自身でさえ、“第１版と第２版は、地質学的に言えば二つの層のようなもので、互いに何の関連もない”と証言しているほどなんですねぇ。
単にレコードなどで聴いているだけではこれほどの違いは感じられないかも知れませんが、実際にスコアを開けて両版を比較してみると、特に第１部などリズムの記譜からしてかなり異なります。
私自身の好みで言わせて頂ければ、やはり１９１１年版で演奏して欲しかった、というのが正直な気持ちです。
チョッと前置きが長過ぎました。反省しつつ聴きどころに行きましょうか。
「ぺトルーシュカ」、実に素晴らしい作品です。私個人の考えではストラヴィンスキーの最高傑作だと思っています。「春の祭典」以上の素晴らしさ。
そこのところをもう少し具体的に。
まず「ぺトルーシュカ」というタイトルですが、これはロシア農民によくある名前、ペーターの愛称ですね。ロシア農民というところに注目して下さい。ロシア農民の「象徴」なのです。
全体は４場で出来ていますが、第１場と第４場は同じ場面、カーニヴァルの市場ということになっています。詳しく言えば、キリスト教でいう「懺悔季節」直前の３日間の出来事で、ここに大きな意味が隠されているような気がしないでもない。
第１場はいかにも賑やかな音楽で始まりますが、全体は三つに分かれていると思えばよろしい。最初は賑やかな音楽ですが、いくつかのロシア民謡が使われています。
やがて手風琴のような雰囲気に乗ってクラリネットが小唄を歌います。実はこれ、ストラヴィンスキーのオリジナルではなく、彼がパリで聴いたハーディ＝ガーディの音楽で、ミスター･スペンサーという男が作ったものなんです。盗作承知で使っていますから、ストラヴィンスキーはぺトルーシュカの版権収入の一部をスペンサー氏に分け前として支払っていたんだそうです。チョッと面白いエピソード。
第１場の第２部は太鼓が鳴って魔術師登場、フルートを吹きます。ここも１９１１年と１９４７年では全く違う音符で書かれていますね。魔術師はフルートで三体の人形に触れます。ぺトルーシュカ、ムーア人、踊り子の順に。ここは正に描写的に書かれていますから注意して耳を澄ましてください。最初(ぺトルーシュカ)は１番フルート、次の二人(ムーア人と踊り子)はピッコロで。これも意味があるのじゃないかしら。
そして第３部の有名な「ロシア舞曲」が始まります。この作品は元々ピアノ協奏曲として構想された素材から発展したものですから、最初に書かれたこの部分はピアノが大活躍。まるでピアノ協奏曲の趣が漂います。
今回のピアノ・ソロは野原みどりさん。オーケストラのどの位置で弾くのかも含めて楽しみにしましょう。
おやおや、こんなに細かく触れていてはスペースがなくなります。後は駆け足で。
さて第２場と第３場は、息を吹き込まれた人形の世界。実はここにストラヴィンスキーのメッセージが書き付けられている、と私は考えています。「ぺトルーシュカ」の正に心臓部。
第２場は「ぺトルーシュカ」。１９１１年版では「ぺトルーシュカの部屋」となっていますが、１９４７年版は単に「ぺトルーシュカ」。トランペットによるぺトルーシュカの叫びが印象的な場面ですが、注目はその前。クラリネット２本が摩訶不思議なハーモニーを聴かせます。
ここが解説書にも必ず取り上げられる、「複調」という手法なんです。「複」、つまり、ハ長調と嬰へ長調が同時に鳴らされる。ハ長調はCの音、嬰へ長調はFisの音が中心ですね。
このクラリネットのチョイ前の弦楽器の動きにもっと注目。コントラバスを除いた合奏の最後の音は「ハ長調」で、その後弾かれるコントラバスのピチカートは正に「嬰へ」で書かれているんです。続く複調の暗示になっているんですねぇ。
話は最後に飛びます。この曲の最後も弦楽器のピチカートで終わるのはご存知でしょう。ここでも最後の音は「嬰へ」、最後の一つ前は「ハ」であることに気が付いて欲しいですね。
つまりこの複調はぺトルーシュカそのものの象徴であり、最後にピチカートが鳴るのは、“ぺトルーシュカは不滅だ” ということの強烈なメッセージなのです。最初に紹介したとおり、ぺトルーシュカはロシア農民の象徴。ストラヴィンスキーがこのバレエを作曲していたとき、正に故国ロシアは革命の最中でした。ここにストラヴィンスキーの故国に対するメッセージを聴いても、決して誤りではないような気がします。
続けましょう。
第３場「ムーア人」(１９１１年版では「ムーア人の部屋」)では踊り子のワルツに重なるように、ムーア人のギクシャクした踊りが異様な感じを醸し出します。
踊り子のワルツは、ウィーンで活躍した、シュトラウスに先立つランナーの作品のパクリです。具体的に言えば、Steyrische Tanze 作品１６５と、ワルツ「シェンブルンの人々」作品２００なのですが、原型を留めないほどに変形されています。
バレエの賑々しさは、第４場「カーニヴァルの市場」(ぺトルーシュカの死)で次々に登場するダンスで高められ、ぺトルーシュカの死で劇的な終結を迎えます。華やかさと悲劇の同居、という古典的な手法によって、聴き手に強烈な印象を残すスリリングな展開も聴きどころでしょう。
いや、ぺトルーシュカにはまだまだ聴きどころが沢山あるのですが、全てに触れる訳にはいきません。悪しからず。本来ならバレエの筋書きに沿って解説されるのが望ましいと思います。
最後に私が注目したいのは、ストラヴィンスキーはロシア民謡、フランスの小唄、ウィーンの世俗的社交音楽などをワザと引用し、体制に抑圧される農民の嘆きや希望を表現したかったのではないか、という点です。
これは現代でも世界各地に共通する、どの時代、どの地域にも普遍的なテーマではないでしょうか。そこを是非、聴きとって欲しいのです。その意味でも、１９１１年版の強烈なメッセージが聴きたかった。
ところで、１９４７年版はブージー社からポケット･スコアが出ていますが、ノートン社が出版した１９１１年版には、音楽に付随して詳しいト書きが書かれていますし、付録として作品分析や使われたロシア民謡に関する詳しい文献も掲載されています。
興味のある方は、是非そちらもご覧下さい。
前半のイギリス音楽は、ホルストのフーガ風序曲とエルガーのチェロ協奏曲です。今回の聴きどころでは取り上げませんが、下野は今月の芸劇マチネーでもヴォーン＝ウィリアムスやブリテンを紹介、英国作品についても積極的な姿勢を見せているのは頼もしい限りです。
さてホルストとエルガーと言えば共通点がありますね。そう、二人とも１９３４年に亡くなっているのです。先輩エルガーは２月２３日７７歳で、ホルストは５月２５日に僅か６０歳で。
まずエルガーから行きましょうか。チェロ協奏曲の日本初演は多分これでしょう。
１９６０年４月１０日 共立講堂 ハロルド･クルサーズ(独奏)、ソーア･ジョンソン指揮イムぺリアル・フィルハーモニー交響楽団。
イムペリアル・フィルというのは海外からの来日団体ではなく、僅かに３回の定期公演を行っただけで解散してしまった、れっきとした日本人オーケストラです。エルガーはその第２回定期での記録。
オーケストレーションは独奏チェロの他に、
ピッコロ、フルート２、オーボエ２、クラリネット２、ファゴット２、ホルン４、トランペット２、トロンボーン３、チューバ、ティンパニ、弦５部。このうち、ピッコロとチューバはアド･リブ。使わなくても演奏可能です。特にピッコロは最終楽章で１０小節の出番があるだけですね。
チェロ協奏曲はエルガー晩年の、最後の大作として有名です。比較的オーケストラの書法もスッキリしていますし、楽想も美しく、エルガーの作品の中では早くから日本でも人気になってきた存在でしょう。
全体は、協奏曲には珍しく４楽章で出来ていますが、第１楽章と第２楽章はアタッカで続けて演奏されますし、第３楽章と第４楽章もアタッカではないものの、ほとんど休みを置かずに演奏されることが多いようです。
聴きどころですが、冒頭のチェロ･ソロで始まる荘重なアダージョに先ず注目です。第１楽章は８小節の序奏が付いていますが、これがその部分。このメロディーは第１楽章の最後で繰り返されますし、第４楽章の最後でも再び回想され、作品全体を統一する役割が与えられているのですね。
ですから序奏のチェロ、しっかり耳に刻んでおきましょう。
続いては何と言っても第１楽章主部のメランコリックで美しいテーマ。ヴィオラのユニゾンでゆつたりと開始され、チェロ･ソロ、最後には全オーケストラで高らかに奏されます。エルガーの美しいメロディーの中でも特別に覚えやすいもの。敢えて聴きどころに挙げずとも、この美しさに魅了されるのは間違いないでしょう。
この後少ししてクラリネットとファゴットに出るテーマにも耳を澄ませて下さい。全体に憂鬱なムードの中、曇り空にポッと薄日が射すような雰囲気がたまりません。
アタッカで流れ込んだ第２楽章はソロの細かい動きによるアレグロ･モルト。始まって直ぐに短いカデンツァがあります。新しい世界に踏み込むのに、一瞬躊躇うような感じ。ソロとオケで歌い交わされる律動的なテーマも魅力です。
第３楽章は飛び切り素敵なアダージョ。ソロを伴奏するのは弦楽器とクラリネット、ファゴット、ホルンだけ。綿々と美しいエルガー節が聴かれますが、この一節も耳に留めておいて下さい。
第４楽章のロンドは行進曲風に始まりますが、直ぐに短いカデンツァに入ります。これで一息ついた後、本格的なロンド。このスタイル、実は第２楽章とソックリなんです。逡巡があって次に進む。これ、私は如何にもエルガーらしいスタイルだと感じています。
最後に回想場面が置かれているのもエルガーの特徴。チェロ協奏曲では第３楽章の美しいメロディーがレントで、次いで第１楽章序奏の荘重なメロディーが「冒頭と同じように」という指示の元で再現されます。あとは一気にフィナーレ、最後の力を振り絞るように終わります。
今回のソリストはクァルテットのメンバーとしても活躍しているクレメンス･ハーゲン。エルガーのチェロ協奏曲は、プログラム誌の「５月聴きどころ」でも紹介されている通り、ベアトリス・ハリソンやジャクリーヌ･デュ･プレなど女性ソリストと相性の良い曲。男性ハーゲンの演奏はどうなりますか、楽しみに待ちましょう。
続いてホルスト。フーガ風序曲の日本初演記録は残念ながら見つかりませんでした。どこかアマチュア団体によって初演されているのかも知れません。
管弦楽編成は、
ピッコロ、フルート２、オーボエ２、イングリッシュホルン、クラリネット２、バスクラリネット、ファゴット２、コントラファゴット、ホルン４、トランペット３、トロンボーン３、チューバ、ティンパニ、打楽器２人、弦５部。打楽器はジングル･ベル、大太鼓、グロッケンシュピールです。ジングル･ベル (橇のベル)とグロッケンシュピールが使われているのが目を惹きますし、作品の新しい感覚になっていますね。
尚、この曲はもっと小さいオーケストラでも演奏できるように、その場合の代替編成がスコアに小さい音符で記載されています(出版はノヴェロ社)。
ホルストと言えば「惑星」というイメージしかお持ちでない皆さんも多いと思います。そうした誤った、何よりホルスト自身が忌み嫌ったイメージを払拭する数少ない機会の一つ。これこそが聴きどころでしょうか。
ホルストが「惑星」の大成功で一躍有名になったのが１９１９年。彼はそうした外部の熱狂に背を向けるようにして引き篭もり、フーガ風序曲を書き上げたのは３年後の１９２２年でした。
これは元々、歌劇「Perfect Fool」の序曲として作曲したものです。底なしのうつけもの、とか、何処までも馬鹿な男などと訳されているようですが、オペラ全体は１９２３年５月１４日にロイヤル･コヴェントガーデン歌劇場で初演されています。一幕もののコメディーで、一種のパロディーでしょう。
このオペラ、お姫様との結婚を巡って「吟遊詩人」(ヴェルディのパロディー)と「旅人」(ワーグナーのパロディー)が争い、最後はお姫様に何の関心も示さなかった「パーフェクト･フール」が彼女の愛を射止める、という物語ですね。
序曲は５分ほどの短いもの。タイトルの通り、フーガのスタイルで書かれています。特にオペラの筋書きなどを意識する必要はありません。ホルスト自身は、“厳格なソナタ形式、の積りがフーガになったわけ。ま、ダンスでもありますな。バレー風フーガと呼んでも良いけれど、フーガ風バレーというのが当たっているかも” なぁんて言ってます。
最初にジングル･ベルも賑やかに４拍子のリズムが３小節間出てきます。２拍目の裏側にアクセントがある特徴的なリズム。これがほぼ全体を通して鳴らされます。４小節目から低弦でフーガ主題がスタート、グロッケンシュピールや大太鼓も登場したところで小休止、中間部に入ります。
ここもチェロとコントラバスのピチカートが、最初の主題を２倍の長さに引き伸ばした主題でスタート。チェロのソロが音を引っ張るところから暫く、音楽は一旦、弦楽四重奏曲の様相を呈してきます。
それも束の間、再びコントラバスのピチカートからフーガが再開、最後は金管楽器が素晴らしいアンサンブルを響かせ、大太鼓の一発と共に終了。特にチューバの活躍を聴きどころとして挙げておきましょうか。
ところでホルストは王立音楽院で学んでいた時代、休暇にはチューバを演奏して楽しむという趣味があったそうです。２０代の後半は、スコティッシュ・オーケストラでトロンボーン奏者として活躍していたほどの腕前。
余談ですが、この学生時代にホルストはヴォーン＝ウィリアムスと無二の親友の間柄になり、お互いの作品を批評し合うまでに親密な交友関係を、生涯に亘って結んでいたのですね。
フーガ風序曲でトロンボーンやチューバが大活躍するのは、ホルストの演奏家としての経験も大いに役立っているのでしょう。そこの所をどうか聴き逃さないように。
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